Hay días en que el silencio es tan amigable, que sólo es posible conjugarlo con música que no fomente los pensamientos. Ryuichi y Alva Noto tienen ese don.

Hace un año, grabaron su quinto proyecto en colaboración, de título Summvs, una combinación de las palabras latinas summa y versus, casi un koan en sí mismo, que invita a enlazar paradojas en formato sonoro: el todo y lo opuesto, la masividad del Oscar y la investigación minimal, el martilleo de un piano sutilmente humano y electrónicos artefactos con sonidos espaciales.

La puesta de esta gira que comenzó hace un año en Londres es simple: un piano de cola y, frente a él, una mesa con una computadora y muy pocos accesorios. De fondo, una pantalla alargada en la que Noto crea imágenes en tiempo real, a partir de diseños flexibles sobre los que improvisa efímeras formas visuales de los sonidos.

Sobre esta plataforma, la definición de ambient se revela. Los entornos sonoros de Summvs generan ondas sinusoidales entre estados de conciencia estelar – empezando por los nombres de los temas, que parecen inspirados en la flota de Star Treck – y armoniosas profundidades terrestres. Así, para el despegue de la noche, Alva Noto se envuelve en zumbidos, bits, breves irradiaciones de ruido blanco, frecuencias lúminicas en azul eléctrico, y Ryuichi responde haciendo caer cada nota de su piano como una gota de lluvia tibia en el barro.

Cada tema tiene un cierre redondo, y queda envuelta en un silencio perfecto, que deja suspendidas en el aire las manos de Sakamoto sobre el piano, y las de Noto sobre su equipo digital.

Laboratorio y taller
La pantalla, ahora con líneas blancas y pequeñas figuras geométricas que juegan sobre ellas, refleja los tonos metálicos, hasta latosos, que introduce el alemán, mientras reserva para sí la decisión de intervenir o no sobre cada emisión de Sakamoto. El japonés, por su parte, se propone una investigación de su instrumento, que utiliza como laboratorio y también como taller. Abre la tapa del piano y toca las teclas por dentro con la actitud de un cirujano, martilleando en busca del agudo perfecto, como si quisiera empujar el mismo límite sonoro que su compañero explora desde lo digital.

En otros paisajes, gana la hondura, lo interno, el origen que comienza a gestarse a partir de un piano resonante cual campana del Dharma. Hay ambiente de caverna, de estalacticas en formación. Es un origen que en lo musical tal vez esté expresado en el instrumento  que eligió Sakamoto para su grabación de la trilogía de temas que funcionan como eje de Summvs: Microon I, II y III. Se trata de un piano metamorfoseador en dieciseisavos octavos de tono – uno de los quince que hay en el mundo- creado alrededor de 1940 por Julián Carrillo, mexicano pionero de la música microtonal, quien materializó con su creación sonidos que hasta ese momento sólo podían ser considerados en abstracto.

Sin una palabra, llega un tema que es una concesión al público, que lo celebra. Sobre un fondo de constelaciones que forman rojas, orgánicas uniones atómicas, se entremezclan con sutileza los acordes de Forbidden Colours, la canción que ganó corazones –sobre todo gays- en aquella película de 1983 que conjugó los talentos de Sakamoto, Bowie, Oshima y Sylvian.

La otra perla de la noche, también rescatada en el tiempo, pero con dos reversiones en Summvs, fue By This River, de Eno, Roedelius y Moebius, un clásico del ambient que juega a la perfección con la línea precisa, minuciosa y elevada del concepto “S”.

A través de interferencias volcánicas y olas de arena fina, escalando agudos y enterrándose en graves extremos, sin miedo a los extremos, el concierto fue llegando al final. El dúo regaló dos bises y una inclinación con las dos manos unidas. Su silencio perfecto quedó flotando en el ambiente.

Por Sandra Martínez

Dejar una banda extremadamente popular puede ser complicado para un músico a la hora de presentarse en vivo. ¿Está harto Paul de tocar canciones de los Beatles? ¿Puede Morrissey armar un setlist sin que un tercio de los temas sean de The Smith? ¿Podría Thom Yorke presentarse en Buenos Aires sin desplegar un solo hit de Radiohead? Quizás en sus países natales, donde el público tuvo la oportunidad de ver sus bandas con frecuencia y entonces están más abierto a escuchar lo nuevo. Pero acá, donde la espera para ver a ciertos artistas a veces se hace larga, la gente es más propensa a pedir "una que sepamos todos".

Esa presión se hizo sentir, en cierta medida, la noche del 6 de mayo en la segunda fecha de Noel Gallagher participando del Personal Pop Festival, con el estadio de GEBA completo, donde se presentó con su banda, The High Flying Birds, proyecto pseudo-solista armado tras su partida de Oasis. El inglés se hizo esperar un rato antes de arrancar casi a las 21:30 con (It´s Good) To Be Free, para continuar con Mucky Fingers, despejando en seguida las dudas de los que se preguntaban cuánto lugar le daría a los temas que solía tocar con su hermano Liam.

Luego comenzaron los temas de los High Flying Birds, siguiendo el orden del album debut. Everybody´s on the Run, Dream on, If I had a Gun sumadas a Freaky Teeth y The Good Rebel de su reciente EP Songs from the Great White North alcanzaron para demostrar que Gallagher armó una banda sólida, con la que pudo retomar y evolucionar su legado oasiano y lucirse en vivo como en las viejas épocas.

Pero la gente quería más Oasis y coreaba a viva voz Live Forever. Entre fastidiado y divertido por la insistencia, se despachó con un "fuck off" digno de su fama de chico malo. Pero de todas formas les dio el gusto intercalando una versión acústica de Supersonic, más Talk Tonight y Half the Wolrd Away a sus Record Machine, Soldier Boys & Jesus Freaks y Broken Arrow, para cerrar con Stranded On The Wrong Beach. Para los bises se reservó Let The Lord Shine A Light y - apoteosis hitera - Whatever, Little By Little y Don't Look Back In Anger. Sólo había pasado una hora y media, pero el show corto es entendible teniendo en cuenta que The High Flying Birds había agotado todo el stock de canciones propias. Alargar el recital hubiera implicado recurrir más al arcón de los recuerdos, inclinando la balanza para el lado retro y diluyendo demasiado el material nuevo. Así, los amantes de Oasis en particular se fueron con sus expectativas colmadas, pero los amantes de la música en general también se fueron satisfechos al ver que Noel sigue en la senda de la música fácil de escuchar pero no exenta de talento y complejidad.

Por Grisel Ruiz

En 1983, Pedro Aznar y Luis Alberto Spinetta apuntaban hacia un mismo lugar: grandes músicos de un rock nacional naciente post Malvinas. Locos capaces de cierta desfachatez para vestir calzas apretadas y camperas con estilo vintage. Era el renacimiento del rock argento y ellos estaban en primera fila.

Así, compartieron giras, composiciones y noches. Se hicieron amigos sacándole chispas a bajos y guitarras y compañeros de trabajo como Moro, Epumer y Machi. El tiempo pasó. Y mientras que Aznar se apoyó en la música latinoamericana, el folklore y el jazz, el Flaco se sostuvo firme en el rock spinetteano. Parecía que los caminos se bifurcaban. Pero no, no tanto.

Es que, vaya uno a saber por qué, Aznar nunca abandonó el barco y las costas de Spinettalandia. Algo que confirmó en su álbum Quebrado (2008), donde dejó en claro -con su versión de Credulidad- que su admiración por las composiciones del Flaco seguía vigente. Y su capacidad para interpretarlas también.

Por eso, no fue extraño que el domingo 29 de abril se animara a hacer este show a tres meses de la muerte de Spinetta: un recital gratuito, organizado por el Ministerio de Cultura y Turismo de la Ciudad de Buenos Aires, donde repasó 26 canciones del poeta más legendario del rock nacional. Y allí, Aznar se encargó de que fuera una noche memorable. Hubo de todo: clásicos, emoción, virtuosismo, humor y un micrófono que dejó de funcionar y, por 30 segundos, se convirtió en el responsable de la repetición del tema Alas de la Mañana. "Se cortó en una parte, ¿no?", interrumpió Aznar con picardía. "Tiralo a la basura y tocala de nuevo", respondió la multitud. "¿Ustedes dicen? ¡Bueno, adelante!".

 Celebrar al Flaco

 Luego de Cantata de Puentes Amarillos y Perdonado, Aznar disparó: “Elegí la palabra Celebración como subtítulo de este concierto, porque el vocablo Tributo pone cierta distancia. Cierta lejanía. Y yo quiero que celebremos juntos este legado que Luis nos dejó para siempre”. El público empezaba a tomar temperatura, gritaba animado y pedía por más, por mucho más. Y en un instante, ante una tira de palabras adicionales, apareció el legendario baterista Pomo, un soldado de Spinettalandia. El verdadero espíritu de Spinetta empezó a salir de la galera de Aznar y explotó en Resumen Porteño y en un altamente erótico tono en la versión de Sexo.

Si bien hubo algo de nostalgia y de tristeza por la ausencia del Flaco, la consigna de estar en medio de una celebración siempre estuvo presente. Casi sobre el final, la intensa voz de Roxana Amed apareció en escena para notables versiones de Barro, Tal Vez y de Durazno Sangrando.

Muchacha Ojos de Papel, el himno más recordado de Spinetta, fue la crónica de un final anunciado. Pero como siempre el “una más y no jodemos…” ganó la pulseada de un segundo bis y Aznar, casi desnudo instrumentalmente, le dio lugar a Ella También. Breve apagón de luces, alaridos y un largo silencio. Estaba todo dicho.

Por Aurelia Rich

Al levantarse el telón, lo primero que impacta es el hueco en el centro del escenario: falta la batería, y este detalle es todo un manifiesto. Si en el recital de 2008 sus guitarras electrificadas lograban que en el aire flotara un tufillo a bombachas húmedas, el pasado miércoles, en el Gran Rex, Lenine convocó a un público seducido por un presente bucólico y experimental, que lo encuentra durmiendo a su nieto en la tapa de Chão, el álbum que vino a presentar.

Mientras el aire comienza a moverse con los rítmicos acordes de Isso é só o começo (paradójicamente, el último tema del disco), va entrando la banda, que incluye a su hijo Bruno Giorgi, músico y productor en Chão, y encargado del diseño sonoro (guitarras, bajo, efectos electrónicos, loops). Completa el trío Junior Tolstoi, guitarrista y pianista, rodeado de multitud de racks que manipula con originalidad para acompañar tanto los leves sonidos amazónicos como las avanzadas hasta el borde del desborde rockanrollero que componen el amplio paisaje sonoro de Lenine, con quien trabaja desde el año 2000.

A partir de esta introducción, en la primera parte del recital, Lenine respeta el orden de Chão, a la vez que su estructura: temas breves, con un diálogo entre lo búlico y lo urbano, hilvanados por ruidos y sonidos que tal vez no nos detenemos a registrar, pero que son una constante para el oído en el día a día, como el canto de un pájaro, el fregar de un lavarropas, el bullir de una pava o el tránsito de una avenida.

Así, los latidos de un corazón se suman a las guitarras y la respiración del cantante para hacer sonar Se Não For Amor Eu Cegue, una canción de sonidos pequeños que resuenan en sí mismos y así se amplifican. Sigue con Amor É Pra Quem Ama, la balada en que, literalmente, canta un pajarito, que se sumó a la orquesta durante la grabación del disco para acompañar el mensaje esencial mensaje de esta obra: “qualquer amor já é um pouquinho de saúde, um descanso na loucura”…

En este punto hace un stop y por primera vez se dirige a su público:"Buenas noches", pronuncia en un español modesto. El teatro celebra, y la energía da un giro hacia la batucada cuando entra una versión de A ponte, sostenida por bases y ritmos sampleados, que suman complejidad, y son la marca de un show que intenta ir más allá de lo cómodo.

A partir de aquí, una serie éxitos acumulados desde la década del ´90, con paradas especiales en temas de Olho de Peixe (Acredite ou Não, Leão do Norte), O Dia em que Faremos Contato (A ponte, Candeeiro encantado) y con versiones un toque más experimentales del álbum que fue su fábrica de hits, Na Pressão: A rede, Jack Soul Brasileiro, Tubitupy, Rua da Passagem (Transito), Relampiano, Pacienca –en el bis- colmaron los anhelos auditivos de una platea que, sin dudas, le renovó a Lenine su voto positivo.

Entretejiendo pasado y presente, los temas de Chão - Uma cancão é só, De onde vem a canção, Tudo que me falta, O silencio das estrelas- se fueron colando para formar una trama que, aunque no haya sido fogosa, combinó jungla y metal en dosis justas.

Casi sin palabras (“Los que me conocen saben que no hablo para no perder tiempo y tocar más”, explicó), el cierre que redondeó el círculo fue con Isso é só o começo. Y así Lenine dejó los latidos de su corazón reverberando sobre Avenida Corrientes.

Foto cortesía de Dragan Teodorovic Zeko

El gitano está de vuelta, y tiene con qué.

Emir Kusturica reventó a morir a un público que, como niños revoltosos, se sacudía exorcizado por el sonido de trompetas aceleradas, los violines entrecruzados y los acordeones en contratempo. Un ritmo que fue constante durante las casi dos horas que duró su show del pasado sábado 14 de abril en El Teatro Vorterix de Colegiales. Es que el serbio y la No Smoking Orchestra tienen el don de divertir en cada una de sus presentaciones. A pesar de la ausencia de su coequiper, el estrambótico Dr. Nele Karajlic, – creador de la TNSO y famoso porque tomó el mando de la actuación al estilo de un Capitán América un poco desfasado-, el serbio y su compañía se dieron el gusto de bailar y hacer bailar.

Dejan Sparavalo (violín y voz) fue una gran base para mantener vivo el efecto del ausente Nele. Su destreza para saltar con las rodillas bien arribas y gritar al estilo de un vikingo mientras maniobra un inquieto violín, provoca una reacción de hipnosis colectiva. Basado en el éxito de las canciones de sus películas Arizona Dream y Underground, el cineasta y músico dejó complacido a un público que, durante la ceremonia-show, pedía más y más. El divertimento fue la consigna. Lo mismo que los guiños. Así parodió el discurso de la MTV, con algunas leves modificaciones. Por eso, cuando Kusturica preguntaba "Do you agree?", el público respondía: "Fuck you MTV!". Y, mientras entre canción y canción intercalaban algunos fraseos de la canción insignia de La Pantera Rosa, Kusturica invitaba a un harén de mujeres a subir alescenario para ensayar una tan improvisada como extensa coreografía.

La No Smoking Orchestra fue creada en 1980 y catalogada como la expresión musical del "¡Nuevo Primitivismo!". Y eso ofrecieron en este show difícil de narrar: una excitación salvaje, primaria, a base de un tecno rock con sabor a patria perdida, a posguerra. En ese ámbito, Kusturica reina. Y los temas se descuelgan uno tras otro: Pit Bull Terrier, Untza Untza, Was Romeo Really a Jerk. Puro tecno punk gitano. Kusturica está de vuelta y goza de buena salud.

Después del show que dieron el año pasado en Puerto Madero, Jane's Addicttionse quedó con las ganas de más Buenos Aires y, el martes 10 de abril, se dieron el gusto.

Es que la banda californiana liderada por Perry Farrell rompió con el mito de la nostalgia e incendió de pasión de un modo muy siglo XXI a los más de 1.500 fans que se apiñaron y poguearon a morir en El Teatro Vorterix de Colegiales. Nada de ser un clásico de los 90 y quedarse contemplando las fotitos viejas. Esto fue acá y ahora. El show empezó con Underground y un público enloquecido que recibió ese tema apertura del disco The Great Escape Artist (2011) como parte del aire que faltaba en el teatro. En el escenario, Farrell, (Dave) Navarro, (Stephen) Perkins y Chris Chaney, protagonizaron una suerte de escenas psicodélicas alternativas, apareciendo y desapareciendo como si fueran una pandilla de Harry Potter en medio de un trip lisérgico. A eso, le sumaron erotismo: bailarinas de burdel se balanceaban en enormes trapecios sobre el escenario con un estilo poco proto grunge pero, en esencia, efectivo.

Jane's Addiction se presentó en este abril por segunda vez en dos años consecutivos en Buenos Aires. Antes, Farrell se había hecho rogar durante más de una década. Y ese ruego se pagó con creces en el Vorterix: con gran presencia y alto histrionismo,mostró actitud y dinamismo de puro rockstar. Lo único que le faltó fue una mejor voz para semejante vestido. Pero no siempre se puede pedir todo.

Entre imágenes de soldados y un hombre pájaro que sobrevoló -como las mujeres colgantes de Babilonia- el escenario sonaron riffs épicos en Been Caught Stealingy en el más reciente Just Because. El show se mantuvo a tope intercalando clásicos de la banda -de la época de El Ritual de lo Habitual (1990)- con canciones más recientes. Así desfilaron Ain't No Right, Ted, Just Admit It..., Twisted Tales, Jane Says, Chip Away y End To The Lies, entre otros.

Para el final Perry, en un castellano indescifrable, se puso un tanto demagogo y, por qué no, nostálgico. Tal vez por eso, intentó parafrasear la vieja frase tan noventosa en un idioma que parecía traducido por google: “Nosotros tenemos más influencia con sus hijos que usted tiene.. (sic) Pero los amamos. Creado en Los Ángeles....¡Juana's Addiction!” (requeterequete sic). Lo bueno es que después del discursito explotó el queridísimo Stop! y el inevitable Ocean Size.

Como sabios maduros, los integrantes que representan aquí y allá la adicción de Juana dejaron en Buenos Aires una lección que, por conocida, no deja de ser importante: para lograr un recital soberbio e inolvidable hay que saber contar la propia historia.

El estadio no estaba a pleno - los precios altos del festival se hicieron sentir, aunque probabablemente la segunda fecha, en combo con Artic Monkeys, lleve más gente - pero los que estaban presentes respondieron inmediatamente al trio de temas de apertura, Bridge Burning, Rope y The Pretender. Desde ahí nunca bajó el ritmo, mientras recorrían hits como My Hero, Learn to Fly y Best of you, algunos viejitos como Big Me, que Grohl comentó que ya casi nunca tocan en vivo, Cold Day interpretada por el baterista, Taylor Hawkings y las más nuevas, White Limo y Walk, entre otras. Entre medio, hasta se colaron algunos pequeños homenajes a The Ramones, Queen, Maiden y Pink Floyd.

Ghrol no dejó de arengar al público en todo momento, buscando siempre interacción e intercalando comentarios que si bien no salieron de la clásica demagogia rockera, al sumarse a su estilo natural y el potente show que estaban ofreciendo, volvieron imposible no creerles que ellos también lo estaban disfrutando. Para los bises salió solo al escenario para una versión acústica de Wheels, que siguió con Times like These, donde se sumó el resto de la banda. Y, gran momento antes del cierre, invitaron a Joan Jett para un cover de Bad Reputation. Tras casi tres horas tocando, se despidieron con Everlong, tan arriba como habían comenzado y con calurosas promesas de no dejar pasar otros 17 años antes de visitarnos nuevamente. 

Por Sandra Martínez

Tras la apertura de la cantante americana Kristeen Young, que el público escuchó con fria paciencia, Morrisey salió a escena con First Of The Gang To Die y al grito de "Buenos Aires, soy una estrella!". Una declaración de divo en total contradicción con el show despojado que ofreció, donde los únicos protagonistas fueron la voz intacta del inglés y la performance impecable de su banda. 

Después de un set bien arriba con You Have Killed Me, You're The One For Me, Fatty y There Is A Light That Never Goes Out el clima se puso melancólico con temas más oscuros de su repertorio como Alma Matters o Ouija Board, Ouija Board, para luego enardecer a las/los groupies arrojandoles su camisa transpirada mientras entonaba Let Me Kiss You.

El toque dramático de la noche fue Meat is Murder, cuando la pantalla de fondo, que durante todo el espectáculo se limitó a mostrar una foto - una pena para los que lo vimos desde nuestros escasos metro sesenta, complicados por la poca altura del escenario - acompañó el himno vegano con crudas imágenes de matanza animal. Las niñas hipster chillaban y se tapaban los ojos y prometían no volver a tentarse con una pechuga de pollo.

¿Cómo seguir después de eso? Con política: declarando que todo el mundo sabe que las Malvinas son argentinas y que no hay que culpar a la gente por las decisiones de sus gobiernos, una opinión remarcada por las remeras que lucieron sus músicos, con la leyenda "We hate William and Kate" y la foto de los príncipes.  Después, a bailar de nuevo con otro de The Smiths, Please, Please, Please, Let Me Get What I Want, seguida por Scandinavia, un adelanto de su próximo album, y para cerrar la esperada How Soon is Now. Hora y media ya había pasado sin un momento de más, y Morrisey volvió a salir para dejar One Day Goodbye Will Be Farewell como único bis. Apropiada la temática para una despedida, aunque muchos hubieramos preferido The Boy With The Thorn In His Side o Panic, pero de todas formas nos fuimos satisfechos y esperando que por el momento su partida no sea un adiós sino un hasta luego.

Por Sandra Martínez

Texto Javier Rombouts
Ilustracion Ariel Escalante